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10 NORDÉS. La escena del diseño gallego

  • Abre el Ojo
  • "Clones"
  • Número 05 - 25 de mayo de 2016
Hita Tenreiro Corral
  • Hita Tenreiro Corral

En Galicia siempre ha habido una escena creativa, pero lo cierto es que, en los últimos años, se está creando mucho y de muy alta calidad. Es probable que sea debido a una unión de factores diversos, porque afecta a todas las ramas del diseño… pero desde que Inditex se volvió un coloso y desde que se afincaron y crecieron aquí otras firmas de moda, Galicia ha ido desarrollando su propia escena creativa con visión local, pero con lenguaje y aspiraciones globales. Y llegan nuevos compañeros de viaje.

Este flujo constante de creativos, ideas y, claro está, capital ha permitido que esa esquinita un poco aislada de Noroeste peninsular mire más allá de los horizontes infinitos de sus costas. Y ¡quién sabe!, puede que haya desarrollado su propia personalidad. O quizás, citando a Miguel Baldellou –en sus Conversaciones con Manuel Gallego (08/04/2016)–, simplemente haya sucumbido a una “vorágine global de persecución de una estética evanescente y frágil” dependiente del consumo y la tendencia. Muchos queremos creer que sí, que tiene su personalidad local y sus valores, aunque parece que, a pesar de ser local, habla en un idioma global, y por eso gusta (y por eso vende).

Esta escena está en continuo movimiento, un movimiento sosegado, riguroso, un tanto frío quizás, pero otras veces cálido; como el viento que viene del Norte, que los marineros gallegos llaman Nordés. Y así, nos atrevemos a bautizar esta escena detallista y contenida, pero con fuerza y personalidad, que quizás vaya más allá de la efímera tendencia; solamente el tiempo nos lo dirá. Y puede que, al ser vernáculo, se convierta en escuela…

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En cuanto a moda, en los últimos años han nacido pequeñas firmas de slow fashion, artesanales y sofisticadas, que cuidan con mimo cada detalle. Es el caso de María Barros, reconocida internacionalmente, de estética sencilla y pura, que combina con una ejecución artesanal y delicada.

Ocurre algo parecido con los estudios de arquitectura e interiorismo jóvenes que se van abriendo paso, a pesar de la crisis. Con otra manera de pensar y de entender la profesión, a una escala más humana, elevando el fondo sobre la forma, dialogando humildemente con el entorno, la sociedad y los elementos. Ejemplo de esto pueden ser Arrokabe, quienes nos han abierto las puertas de su estudio, SOMA, Castroferro o, los recién llegados Flu-or.

En el diseño de producto, el diseño gráfico y la dirección artística, sus protagonistas son también tan detallistas y, al mismo tiempo, tan elementales, que hace pensar que lo propuesto es, de alguna manera, aquello que debía hacerse. Como ejemplos encontramos a Maya Kapouski; o Cenlitrosmetrocadrado, a quienes entrevistamos… Arturo Álvarez o Tomás Alonso. Son algunos de nuestros ejemplos, pero la lista es abrumadoramente larga.

Nos hace plantearnos si realmente toda esta vibrante escena se debe sin más a motivos económicos o si, por el contrario, es inherente a una forma de ser, o quizás a un clima –que induce quizás a la abstracción– y a un entorno. Y que necesitaba un empujón (¡y vaya empujón!) para desarrollarse.

Sin querer hacer afirmaciones categóricas, y con ganas de establecer un diálogo, Abre el Ojo se ha acercado a esas tierras y hemos tenido la oportunidad de hablar de estas cosas, y muchas más, con algunos de los nuevos protagonistas. Aquí tenéis la primera remesa, con Maya Kapouski, Arrokabe y Cenlitrosmetrocadrado en la avanzadilla. Y, aunque las entrevistas se han realizado por separado, nos ha parecido más interesante juntarlas ¡No os perdáis la continuación en el próximo número!

2 Maya Kapouski


Maya Kapouski

Maya Kapouski es su nombre artístico, AKA Lucía García es directora artística y creativa, especializada en fotografía de moda, que –según ella– es la parte más conocida de su trabajo, aunque también ha sido diseñadora gráfica y de comunicación; trabajando, además, para múltiples marcas de moda y diseñadores (Inditex, Nanos, entre muchos otros) y publicaciones editoriales.

“Aunque profesionalmente mi carrera está más enfocada a la moda, para mí la parte más importante de lo que hago es el diario que llevo a cabo desde hace muchos años y con el que participo en exposiciones y publicaciones. Son fotografías cotidianas, casi privadas, en búsqueda de una ‘poética de lo cotidiano’”.

Sigue dos líneas de trabajo, la profesional, que transmite delicadeza, mucha personalidad y elegancia, y la personal, más íntima aún, a través de su propio diario: fluido, cotidiano y natural. “Es una parte de mi trabajo que funciona más como un laboratorio de ideas y de pruebas. El error es parte fundamental de esta parte del proceso. Es el espacio donde me permito desaprender, volver atrás y experimentar bien por simple placer o bien para aplicar después a la parte de mi trabajo más profesional”.

Cuando le pregunto cómo encontró su estilo personal, me comenta que cree que uno no debe centrarse en buscarlo, o diseñarlo, sino que debe surgir de forma natural con el trabajo. “Creo que, a la hora de trabajar, uno siempre está buscándose a sí mismo, sin encontrarse nunca. Sin embargo, creo que “el estilo” no se busca ni se encuentra. Cuando entras en el taller (físico o mental), te pones a trabajar en conceptos, ideas o una línea de trabajo. El estilo surge de tu contexto y tus circunstancias. Cuando trabajas de un modo u otro, reflejas todas tus vivencias y conocimientos, y eso imagino que es lo que define tu estilo”.

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Me acerco al estudio de los arquitectos Arrokabe en Santiago, compuesto por dos hermanos nacidos en Bilbao, Óscar e Iván Andrés Quintela, que se han afincado en la tierra de su madre, de sus veranos y donde han desarrollado toda su obra: Galicia. “Nos hemos formado aquí, dentro del propio contexto, y hemos aprendido nuestra forma de hacer con los pies en el barro”.

Después de sus sendas formaciones como arquitectos, ambos se interesaron por la regeneración urbana y la rehabilitación. Iván, el hermano menor, se ha interesado también por la construcción en madera. Y Óscar dirigió la Oficina Municipal de Protección y Rehabilitación del Conjunto Histórico de Muros. Iván nos comenta: “admiré lo que me decía mi hermano Óscar, con su compañera Lourdes, cuando estaban liados haciendo apaños, desarrollando proyectitos de arreglos: ‘Iván, esto es más importante para la sociedad y va a provocar más cambio que estar construyendo un auditorio en Ibiza’. Esta actitud de resolver lo necesario te hace tener una querencia por el oficio”. Pertenecieron al colectivo Metagénesix, que decían ser una muestra de la nueva arquitectura gallega.

Les pregunto cuál es el proyecto que más les representa y me hacen una visita guiada, totalmente improvisada, de la que es para ellos su proyecto preferido: A casa do medio, la rehabilitación de una vivienda en Santiago, que es la más visitada de 2016 en Diario Design. “Ha sido una oportunidad, al ser una casa grande con unos clientes excelentes, de meter años de trabajo. Hemos hecho mucha rehabilitación de vivienda”. Me comenta Iván que le divierte muchísimo cómo los dueños hicieron suya la casa y es cierto que no tiene nada que ver con lo que aparece en las publicaciones, pero se enorgullece de poder decir que los clientes se acercan más a ellos por su forma de pensar, no por la parte visual de la arquitectura; es por otros valores más relacionados con una actitud ante la vida, los materiales, lo local, la funcionalidad y el confort. “De alguna forma, asumimos que las situaciones son complejas, hay un peligro en la arquitectura de simplificar, y ser capaces de trabajar y trabajar, hasta que las cosas dejen de parecerlo. No tenemos una obsesión con un estilo clave, con lo que tenemos la capacidad de adaptarnos a lo que el cliente anhela”.

La casa es funcional y sencilla, y huele a madera. Un muro de carga divide los espacios, en el más amplio hay una escalera que se van desvaneciendo según subes, por todas partes hay elementos que se han mantenido o se les ha dado un nuevo uso, también presenta muchas referencias sutiles a otros, como la galería que da al patio. Por último, se permiten alguna que otra licencia, como el techo curvilíneo del bajocubierta o las barandillas de latón dorado, que propusieron para el cliente, pero lo que destaca especialmente es que todo está diseñado hasta el más mínimo detalle, combinando un saber hacer constructivo con una formalidad material elemental.

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Ricardo –uno de los tres miembros del multidisciplinar equipo de diseñadores de producto Cenlitrosmetrocadrado, formado por Xabier Rilo, Ricardo Tubío y Manuel del Río– queda conmigo en Santiago. Diseño de producto, gráfico, de embalaje, de espacio, señalética y, su preferida, I + D + 100, que son proyectos personales… Su trabajo tiene implícitamente raíces de su tierra, Galicia, y es de carácter sencillo, elemental y funcional.

“La forma sigue a la función, creer lo contrario es un mal de estos días, en los que todo es muy efímero, las cosas quedan obsoletas rápidamente y parece que las cosas no pueden ser útiles durante mucho tiempo, pero no es verdad, y nosotros tenemos una pelea continuada en este aspecto”.

Dicen ser muy autodidactas, con formación técnica, pero guiados con frecuencia por la intuición. A la hora de abordar un proyecto, intentan razonar, tienen “lo que los anglosajones llaman ‘briefing’, que no es más que un pliego de condiciones de toda la vida”, plantean las necesidades y buscan soluciones sencillas, tratando de crear valor a través del trabajo. Recurren mucho a la artesanía y, a la hora de formalizar, intentan no seguir la tendencia, o más bien, hacer contrapunto e ir contracorriente.

Afirman que procuran que sus objetos y diseños sean poliédricos, es decir, “que expresen más allá de lo visual, que puedas interactuar con ellos por otros sentidos: el olor, la textura, la sensación, el sonido. Lo visual está muy explotado y hay poco campo de trabajo”.

Les encantaría que su trabajo hablara por ellos, de su forma de ser. Lo intentan aplicando a sus diseños valores de compromiso social y cultural, de responsabilidad medioambiental, en los procesos de producción y en la forma final. El resultado es –a mi juicio– un trabajo humilde, funcional y cercano.

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5 Entrevista colectiva

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Hita Tenreiro: ¿creéis que el contexto –familia, memoria, lugar, cultura– os puede influir?

Cenlitrosmetrocadrado: En nuestro caso sí. Creo que también depende de la personalidad que tú tengas, si eres más nostálgico… Bueno, creo que los gallegos en general somos muy nostálgicos, tenemos mucho de eso, sí, de la morriña… –reímos. Es una forma de ser, que supongo que también viene dada por el clima… Y al final, es que somos así, entendemos el mundo así y el trabajo es consecuencia de ello. Aunque nos gusta trabajar con conceptos sutiles (…) no tratamos de tener un trabajo de autoría rural, pero mirando para atrás, te das cuenta de que eso va saliendo. Tenemos un vínculo nostálgico, no hacemos cosas complicadas y todo es muy doméstico.

Iván Arrokabe: …Estoy totalmente de acuerdo con que la familia, la memoria, el lugar y el contexto influyen a lo bestia.

Óscar Arrokabe: Sí, en arquitectura el contexto lo es todo. También es una cuestión de priorizar los problemas: el contexto de Galicia es uno en que la arquitectura tiene un descrédito total y donde el territorio está bastante maltratado. Nos parece que cada piedra, cada árbol y cada elemento de la tradición tiene valor. Para nosotros es importante poder defenderlo.

Maya Kapouski: En mi caso, definitivamente, sí que hay una influencia, especialmente en el contexto familiar/memoria. Bachelard decía que la casa era el primer universo, y así lo fue para mí. Sin embargo, Galicia como contexto no estuvo presente en mi obra de manera específica… aunque sí, inevitablemente, de manera circunstancial. No he sido consciente de cuánto afectaba mi contexto a mi trabajo hasta que salí de él. El paisaje, la gente, la cultura… incluso, a veces, la necesidad de querer huir de él (…) Lo más positivo es que cuando volví a Galicia todo me parecía otra vez nuevo y la inspiración de lo nuevo ahora la encontraba en mi propia ciudad. Ahora soy más consciente de esta influencia.

Creo que es importante analizar el contexto de uno para ver donde están nuestros límites y los límites que nuestra cultura nos impone para intentar sobrepasarlos. Ser capaces de salir mentalmente de nuestro entorno, para poder analizarlo desde fuera y poder entenderlo y así poder aprovecharnos de él de un modo más profundo.

HT: En este artículo, planteo Nordés como una escena con fondo y forma común: ¿se podría decir que hay una estética común?

MK: Creo que es posible, pero desde dentro me cuesta verlo. Puedo reconocer fácilmente lo que se podría llamar estilo japonés o nórdico, incluso me he visto a mí misma diciendo esto es muy de “algún lugar”, por lo que no me cuesta imaginar que exista un estilo gallego. Lo que no sé realmente es cuál es su definición y el trabajo de quién entraría en esa definición. Creo que existen puntos en común en la escena actual, porque es un territorio pequeño donde todos nos conocemos, coincidimos e incluso estamos en contacto, por lo que la contaminación creativa es, por suerte, inevitable, pero no me atrevo a decir que haya una estética común.

CLM2: Nosotros sí que hemos buscado un lenguaje atlántico, buscando la sinceridad constructiva, el respeto por los materiales, entenderlos…; por ejemplo, en el trabajo en madera, estamos muy pendientes de lo que hacen los nórdicos, de lo que han hecho siempre. Creemos que el buen diseño es atemporal y no está pendiente de la tendencia. Es una forma de pensar más nuestra. El trabajo japonés y el nórdico siempre están ahí, porque están basados en cosas muy sencillas, muy elementales, que funcionan bien. Es en cierto sentido la filosofía de Ornamento y delito de Adolf Loos. También utilizamos la madera porque la tenemos aquí. Es una responsabilidad con lo local.


casa-de-campana_foto_arrokabeI ARKB:
¡Incluso nos cuesta encontrar una estética común en nuestro propio trabajo!… Yo más que de estética, hablaría de actitudes. Intentamos huir de la vorágine de la que hablabas, de la tendencia… Nos apoyamos en la construcción como una forma de relacionarnos con el territorio y de centrar la mirada en la materialidad. Si no me equivoco, Alvar Aalto decía que la arquitectura, los detalles constructivos, viajan alrededor del mundo; él tenía referencias de su contexto propio y de sus viajes: mediterráneas, japonesas… ¿Qué quiero decir con esto? Que lo que tiene que ver con los materiales, que funcionan de forma elemental y propia, eso funciona igual aquí que en cualquier otro lugar del mundo y del tiempo con características climáticas similares. Los detalles, que pertenecen a lo que las cosas son, viajan alrededor del mundo.

O ARKB: Fíjate, vamos a hablar de estilo, nuestra solución constructiva siete y medio seguramente recuerda más a otras tradiciones de arquitectura, más japonesa o nórdica. Sí, son una referencia para nosotros, inconsciente diría yo; es que allí hay todo un desarrollo de tipo constructivo que aquí teníamos y hemos perdido. Aquí había una tradición de construcción en madera y un conocimiento bestial que se ha perdido.

HT: Bueno, se ha mantenido en las edificaciones…

O ARKB: Sí, y gracias a eso ha habido una recuperación… que ha sido hecha por los propios técnicos, desde ideologías y decisiones que se han tomado desde ciudades como Santiago. Hemos trabajado sobre estructuras tradicionales y aprendido sobre la marcha.

I ARKB: Creo que son referencia, porque tienen más experiencia y más desarrollo. Sí es verdad que tenemos artesanos, pero son los últimos de una larga tradición familiar. Por eso, hay una prisa, una sensación de urgencia en centrar la mirada sobre estos temas, porque es un conocimiento tácito que se pierde si no se transmite de generación en generación.

HT: Hablamos de la forma y ahora del fondo. ¿Hay un pensar común?

O ARKB: Hay actitudes coincidentes por vivir en el sitio en el que vivimos. Que te llevan a plantearte una serie de cuestiones de fondo, en cada pequeño proyecto, que tienen que ver con nuestra contemporaneidad. Nos ha tocado vivir en un tiempo de crisis –medioambiental, energética y demás– e intentamos que la conciencia sobre cuál es nuestro tiempo esté cada vez más presente en nuestros proyectos.

HT: Pero eso es global…

O ARKB: Sí, es global, pero la solución es local.

I ARKB: Y probablemente la única solución sea local, no obviando el problema global. Hay que trabajar en las dos escalas a la vez.

O ARKB: La solución está en cómo actúas o trabajas. Podemos decidir tirar o no la preexistencia. Podemos decidir qué materiales utilizar… no utilizamos la madera solamente por una querencia con el material, sino por otro tipo de cuestiones, un convencimiento profundo de que hay que utilizarla por exigencias culturales y medioambientales.

MK: Se puede decir que hay inquietudes y temáticas comunes, pero creo que hay modos de abordarlos y pensarlos muy diferentes. A veces, siento que tengo más en común con un islandés o un japonés, por ejemplo, que con algunos compañeros de trabajo gallegos. Con esto lo que quiero decir es que tu entorno puede explicar mejor ciertas partes de tu trabajo, porque lo contextualizan en un espacio, tiempo y circunstancias de muchos tipos (económicas, políticas, culturales)… pero no creo que sea suficiente para clasificar. Sí que creo que hay artistas y diseñadores gallegos que se identifican y pelean por la defensa de un estilo propio de la tierra, pero creo que suele ir arraigado más a una estética casi histórica que conceptual. Adoro Galicia y ojalá que consigamos reconocer un sello propio de nuestra tierra en trabajos más actuales, pero de momento me cuesta encontrarlo.

CLM2: Creo que sí, que es algo antropológico, buscamos referencias de aquí y muchas veces no es intencionado. Es complicado de definir, pero al final es el trabajo que está basado en la racionalidad, en el amor y en el respeto al material. No es tan formal, es quizás más introspectivo, ¿no?

En ese sentido, es llamativo cómo unos –en el Sur, como el diseño italiano o el de la España más mediterránea– y otros –más del Norte– sí que llegamos a conclusiones completamente distintas. Unos buscan el impacto, la novedad y son más desprendidos, y nosotros somos más reservados y contenidos. La forma de ser es diferente y lo comunicas en tu trabajo. Tus diseños reflejan tu forma de estar en el mundo, aunque depende del campo en el que intervienes.

HT: Si existiese esa marca común, ¿creéis que sería más interesante la confrontación de ideas y modelos?

CLM2: Creo que la diversidad es enriquecedora. La marca puede ser buena, pero debe venir a posteriori. Las pautas en común, las cosas que conectan…. Va a haber soluciones comunes, pero es algo que se observa a posteriori. Intentamos 04no seguir la tendencia. La metodología de trabajo, cuando tiendes a las tendencias, es como los rebaños de ovejas, van todas juntas hacia un lado sin saber muy bien por qué.

MK: Creo que en un momento tan global como el actual es genial que existan rasgos identificables como locales, pero creo que sería aún más genial identificarlos en un ámbito personal.

I ARKB: Seguro que es mejor la variedad, nosotros atendemos más a la actitud. Cuando hablamos de actitud, no hablamos de intentar producir a la contra, porque al final ese es el mismo borreguismo. No vamos a cambiar nuestra forma de hacer. No obstante, sí que hay un acto que tiene que ver con la resistencia, a no hacer cierto tipo de cosas, o no plegarse a ciertos poderes (mediáticos, económicos, burocráticos). Cuando hablamos de actitud, hablamos de eso. No sé si tenemos un estilo propio, o si lo llegaremos a tener en algún momento, pero seguir esa línea es el único camino de llegar a hablar en primera persona.

HT: En caso de que exista, ¿es real o se adapta a una tendencia global?

CLM2: Quiero pensar que sí, que es auténtica. Es que esos valores que llegan tienen mucho de nosotros. Es lógico que esa tendencia se desarrolle aquí, es algo que encaja en nuestra forma de ser. Ahora todo es tan efímero y volátil que echamos en falta un planteamiento más a largo plazo, poniendo en valor los tejidos, lo artesano. Hay una responsabilidad social y medioambiental en el hecho de volver a la artesanía. Desde Galicia, podemos marcar la pauta, porque tenemos una muy buena artesanía que se ha conservado; la industrialización aquí llegó tarde. Por eso, nuestro tejido artesanal está muy vivo. Eso nos favorece, nos diferencia y nos protege de la producción masiva oriental, porque la copia es más complicada.

En Galicia creo que, aun así, hay bastante de auténtico. Coincide el recurso local con lo que está pasando fuera…

I ARKB: La imagen que tiene Galicia en España, y que ha tenido antes de todas estas tendencias, siempre ha sido: materia prima, auténtico, básico, calidad… y creo que la tendencia se ha acercado a las materias primas y a la fuerza que tiene Galicia.

O ARKB: Esto tiene que ver con el contexto global y con el hacia dónde vamos. Creo que vamos hacia una escala más pequeña dentro de un mundo global. Otra cosa es que el capital, que se da cuenta muy rápido de estas cosas, lo coja y se lo apropie. Pero es inevitable.

I ARKB: Sí, por ejemplo, cuando se habla de regeneración urbana, de hacia dónde deben ir las ciudades, si quieren estar en el mundo y sobrevivir… Una ciudad como Santiago tiene la posibilidad todavía. No hemos machacado muchas cosas (…), por lo que tenemos la oportunidad de recuperar la conexión con su sistema físico, que le permita ser una ciudad sostenible.

HT: ¿Cuáles creéis que son los motivos de esta supuesta revigorización de la escena gallega de diseño?

MK: Creo que no es tanto una revigorización sino, más bien, una mejor comunicación y publicidad de lo que se está haciendo. En Galicia siempre hemos tenido mucho movimiento cultural y una importante escena de diseño. Los años 80 en moda son un buen ejemplo y ni qué decir de las vanguardias. Actualmente, tenemos muchos creativos muy buenos que, además, tienen la suerte de haber viajado, haber podido formarse y, sobre todo, tener acceso a información inminente. Justo creo que esta oportunidad de apertura y de exploración desde la visión especial y originaria de Galicia es la parte más enriquecedora. Además, hay que reconocer que el fenómeno Inditex ha hecho de Coruña, y en general de Galicia, un ambiente más plural con creativos que se han mudado desde todas partes del mundo, lo que ha creado un ambiente más rico en cuanto a contacto directo con otros modos de trabajar. Pero, aun así, la escena creativa en Galicia ya estaba asentada antes, por lo que considero que esta revigorización es en realidad una apertura a los talleres y al trabajo de gente que ya llevaba mucho tiempo.

casa-do-medio2_foto_luis-diaz-diazCLM2: En diseño gráfico está habiendo un cambio de ciclo. En diseño de producto no hay cambio de ciclo, porque en Galicia no había profesionales de producto, había disciplina, pero no había profesionales. Sin embargo, en generaciones anteriores sí había producto, moda, arquitectura… que siendo de aquí, han tenido una proyección global increíble. En Galicia siempre hubo dinámicas creativas, quizás por la necesidad que hubo siempre de emigrar, de salir fuera, y esa gente vio mucho mundo. Pero uno de los motivos de esa “revigorización de la escena” obedece bastante a la situación económica. Estoy convencido de que el mundo de la creatividad bebe más de la miseria que de la abundancia. Las crisis traen consigo una revolución. Ahora está emergiendo gente que está trabajando muy bien, quizás con una situación laboral y económica un poco precaria… pero con vocación.

Y sí, definitivamente, se está mirando lo que se hace aquí, Hay muchos diseñadores de fuera, que han venido a trabajar aquí, como Martín Ruiz de Azúa, Sara Coleman o Idoia Cuesta, que son muy artesanales y están colaborando con marcas internacionales. Y sí, hay o hubo una revolución, que habrá que analizar más adelante, porque creo que aún estamos dentro de ella. Están pasando cosas, gente que está emergiendo a base de trabajo, a base de golpes; la gente ahora tiene mucha vocación. Y si te dedicas a aquello que te gusta, vas a ser bueno.

O ARKB: Galicia, de siempre, está apartada, pero está en el mundo. Siempre ha habido muchos creativos, aunque no hayan sido reconocidos como colectivo…

HT: Es llamativo la cantidad de creativos gallegos y globales que ha habido, la verdad.

I ARKB: Pero es que a lo global también se llega desde la reflexión. Y el exceso de información también es un problema. Para personalidades como Manolo Gallego, ese tipo de arquitectura necesita de silencio. No tener un bombardeo constante, que te mete como en una especie de ansiedad por estar en lo último, de estar informado, evitaría que te quiten la calma que cualquier proceso creativo necesita.

Por otra parte, creo que estamos en un país que, incluso culturalmente y en su relación con el territorio, fue mucho más rico hace tiempo que lo que nos ha podido llegar hasta hoy. Por culpa de los últimos cincuenta-sesenta años, se ha visto relegado a una esquina. Y la salida de un periodo histórico de pobreza puede que haya creado una especie de complejo hacia lo propio. Eso lo notamos mucho cuando hablamos con los abuelos o padres de nuestros clientes, cuando quieren rehabilitar sus casas tradicionales, con un paisaje fabuloso… Algunos tienen la sensación de que han conseguido salir de lo rural y no quieren volver.

O ARKB: Claro, era una sociedad rural que quería dejar de serlo muy rápidamente, y esa velocidad…

I ARKB: De todas formas, creo que eso está cambiando. Primero, porque ya empieza a haber un orgullo por lo propio y por lo local, a valorar lo local. Segundo, porque por las comunicaciones, las físicas y las digitales, el tema de la geografía –el tamaño de las ciudades, o la situación estratégica– ya no es tan esencial. Esto permite el desarrollo cultural y de su comunicación, aun al margen de estas circunstancias.

HT: ¿Se podría decir que hay una línea común o podría ser que hay en ocasiones un exceso de influencia de unos trabajos sobre otros?

CLM2: Siempre puede haber coincidencias, es complicado hacer algo nuevo. En un caso concreto, una marca de aquí llegó a la misma conclusión formal que nosotros; no creo que nos copiaran, en aquella época no éramos nadie, aunque no sé al 100% si ellos fueron antes o después; creo que ellos fueron después. Pero estas cosas pasan. En la medida en que se tiene un proceso razonado, no hay ningún cargo de conciencia, nunca haces las cosas a modo chispazo.

MK: Es un tema complicado y sobre todo delicado. La influencia y el plagio son conceptos muy distanciados y confundirlos puede llevar a graves malentendidos. He visto obras que estéticamente son muy similares, pero que conceptualmente no tienen nada que ver. Es como conocer a dos personas que tienen un parecido. El contenedor puede ser similar, pero el contenido es lo que lo define. Ahora bien, cuando el proceso está vacío y el diseño u obra es solamente un resultado, ahí es posible que encontremos un problema. Lo ajeno y lo propio, el concepto de propiedad, son definiciones muy occidentales. Creer que cuando uno produce o diseña algo es 100% propio es pecar de iluso. Formamos parte de una sociedad y, por lo tanto, estamos contaminados de imágenes e información que están presentes mientras trabajamos. Nada surge de la nada, y nada nos pertenece en su totalidad, tampoco las ideas.

I ARKB: Que cosas se parezcan… no importa, la intuición se basa en la memoria; a veces es un cantazo, pero bueno, es un plagio superficial. Nosotros los problemas de plagio que hemos tenido han sido con compañeros a los que todo esto de los valores les da lo mismo, y lo que quieren es bajar horarios y llevarse el dinero. Te peleas durante dos años. Cuando haces el primero, o el segundo, aparecen quince arquitectos con tu proyecto, con tu memoria, con tu presupuesto, ofreciendo la mitad de honorarios. Y ellos van a sacar pasta rápida.

MK: Influirse y contaminarse los unos de los otros es normal e inevitable. Alguna vez he encontrado trazos de algún trabajo de otra persona que veo en los míos y viceversa; y no creo que ni ellos me hayan plagiado a mí, ni yo a ellos. No puedo decir que no me haya encontrado con algún caso que me haya molestado, o me haya hecho sospechar, pero, al menos de momento, no he tenido grandes problemas. Robar el trabajo de un compañero es realmente duro y triste, pero no para el que es robado, sino para el que roba. Entiendo que sin un recorrido procesual para llegar a ese resultado, ¿cómo va a conseguir continuar y dar el siguiente paso?, ¿y dónde está el placer del proceso en un simple resultado?

Autora: Hita Tenreiro Corral

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