Pero si en España se habla de cómic, hay que hablar de Mortadelo y Filemón y de la editorial que los lanzó al mundo, Bruguera. ¿Quién no ha leído alguna aventura de los agentes de la T.I.A.? Son parte de nuestra historia y su difusión y fama superan a cualquier otro personaje publicado en nuestro país, sea nacional o extranjero. A quien se le pregunte que quién los dibuja no dudará en mencionar a Francisco Ibáñez.

Francisco Ibáñez Talavera (Barcelona, 15 de marzo de 1936) es nuestro historietista más leído y conocido miembro de la segunda generación de la Escuela Bruguera, conocida como Generación del 57, junto a otros como Nadal, Gin, Raf o Martz Schmidt. Fue el creador de muchos personajes míticos e icónicos, pero sus hijos más célebres son Mortadelo y Filemón.

Desde su creación, los personajes de Ibáñez fueron los más queridos de la editorial Bruguera, cuya producción de revistas era descomunal y frenética, lo que llevaba a demandar a los dibujantes una cantidad de historias que muchas veces no podían abarcar. Era entonces cuando la editorial recurría a lo que se conoce como "negros", aquellos que realizan el trabajo de un autor sin que conste su nombre en la publicación. En algunas ocasiones, los autores originales de los personajes estaban al tanto pero otras veces, como le ocurrió a Vázquez con su Anacleto, la editorial actuaba a sus espaldas, pues el concepto de autoría era casi inexistente: eran meros obreros en una cadena de producción que no podía pararse.

Ibáñez era el dibujante estrella y por eso la editorial le demandaba una producción mayor, por eso las historias dibujadas por otros fueron más en su caso. De aquellos dibujantes que ejercieron de negros para la editorial hay dos especialmente célebres, Juan Manuel Muñoz y Ramón María Casanyes.
Juan M. Muñoz (1961), aficionado al dibujo desde muy niño, comenzó a trabajar en el 78 como entintador en Bruguera, poniendo tinta a personajes como El profesor Tragacanto, Deliranta Rococó o Zipi y Zape, aunque estos últimos no gustaron a Escobar, su creador.

Tras mucho tiempo entintando varios personajes, comenzó a trabajar con Mortadelo y Filemón, entintando primero y llegando a dibujar aventuras completas de los detectives de la T.I.A., aunque no era su firma la que constaba.

Alrededor de 1986, se puso en contacto con Ibáñez y trabajó para él en la editorial Grijalbo, donde surgieron nuevos personajes como Chicha, Tato y Clodoveo de profesión sin empleo o el 7, Rebolling Street, una versión del 13 Rue del Percebe con ciertos cambios, pues los derechos de la original los tenía la editorial Bruguera. Algunas de las páginas de esta serie fueron completamente dibujadas por Muñoz.

En 1988 Ibáñez recuperó el control de los personajes que se publicaban en Ediciones B y Muñoz fue su colaborador más cercano; en aquel periodo igual entintaba que se encargaba de los lápices o del acabado final. También colaboraban con él otros autores como Ramón Bernardó o Lourdes Martín. J. M. Muñoz no solo trabajó para los personajes de Ibáñez, sino que lo hizo para otras editoriales como Egmont.

Dentro de la editorial Bruguera hay otro caso reseñable de cambio o adaptación de estilo. Miguel Bernet, con el pseudónimo de Jorge, dibujó su personaje Doña Urraca durante 12 años. En ese tiempo Bernet dio forma a un personaje peculiar, ajeno a la tendencia general en la editorial. Era un personaje negativo, una mezcla entre bruja de cuento y señora amargada amante de lo oscuro y lo maligno, pero que, como ocurría a todos los personajes, siempre salía malparada.

Las páginas de Jorge tuvieron momentos brillantes y definió el personaje que era seguido con interés por un gran número de personas. En 1960 Miguel Bernet murió, pero no así su personaje, que continuó sus desventuras dibujado por Jordi Bernet, el hijo del autor original.

Jordi tenía entonces 15 años y abandonó sus estudios en una academia de dibujo para ganarse la vida continuando el trabajo de su padre. No fue fácil: tuvo que convencer a Rafael González (responsable de la editorial) de que podía dibujar el personaje y, aunque este no quería ni mirar las pruebas, al final consiguió encargarse de la bruja malhumorada. Jordi solamente estuvo un año dibujando al personaje; lo dejó y continuó creando cómics hasta convertirse en uno de nuestros más grandes autores.

A Doña Urraca la siguieron dibujando otros autores, con desigual fortuna y siempre sorteando la censura, que se había obsesionado con el personaje, tal vez porque plasmaba una España negra que interesaba silenciar. De entre todos los continuadores de la obra de Miguel Bernet, habría que destacar a Gustavo Martínez Gómez, conocido por todos como Martz Schmidt o solo Schmidt. Este autor no solo continuó con el personaje, sino que lo elevó de categoría y se alejó, en cierto modo, del carácter infantil en la historia titulada Doña Urraca en el Castillo Nosferatu, una aventura a todo color que tiene viñetas realmente soberbias en la calidad del dibujo, el uso del color y lo sugerente de la ambientación.
Hay más casos de dibujantes con los personajes o el estilo prestado: por ejemplo, el Capitán Trueno que Jesús Blasco y su hermano Adriano dibujaron en 1986 con guion de Víctor Mora, el creador original del personaje. En realidad se trató de un intento de Ediciones B para recuperar a uno de los personajes más importantes de nuestro cómic, pero no pasó de tres historias.

Y entre los más recientes, uno de gran importancia: la resurrección de Corto Maltés de la mano de los autores españoles Juan Díaz Canales y Rubén Pellejero.

Tras la muerte de Hugo Pratt, creador y dibujante del personaje, sus aventuras quedaron en suspenso y parecía que iba a ser para siempre, aunque el dibujante italiano había dejado claro que “Habrá un final para Corto, pero no pienso hacerlo yo, porque Corto Maltés encontrará otro dibujante que le dé vida”.

A raíz de la publicación en Italia de Black Sad, con guion de Juan Díaz Canales, fue Patricia Zanotti, la editora del personaje en ese país y responsable de todos los derechos de Corto Maltés, la que propuso a Canales que fuera el guionista de las nuevas aventuras del marino. Canales propuso como dibujante a Pellejero y, entre los dos, han creado Bajo el sol de medianoche, la primera aventura de Corto Maltés que no ha sido creada por Hugo Pratt. El resultado es de una gran fidelidad al original, pero con el toque particular de los nuevos autores. Ya se anuncian más álbumes y habrá que estar atentos.

Pero no es Spirou el único personaje continuado por un autor ajeno, aunque en este caso no se tratara de un encargo editorial, sino del impulso de un admirador. Georges Remi, conocido como Hergé, creó a Tintin (en origen, Totor) para el semanario belga Le Petit Vingtième y dibujó 23 álbumes del personaje, en solitario en sus inicios y con grandes colaboradores que se encargaban de los fondos al final de su carrera.
Cuando Hergé falleció se encontraba dibujando Tintin y el arte Alpha, una aventura ambientada en el mercado del arte contemporáneo. Tenía páginas en las que el lápiz estaba muy acabado y otras que eran meros bocetos muy rápidos. El conjunto se publicó en un álbum especial, pero más bien como una rareza para coleccionistas y curiosos ávidos de conocer el proceso de trabajo de Hergé en una historia que él nunca finalizaría.

Yves Rodier comenzó su carrera como dibujante realizando pastiches no oficiales de Tintin, pero la gran calidad de su trabajo le permitió conocer a autores cercanos a Hergé, como Bob de Moor, Greg o Jacques Martin. El primer pastiche que realizó fue completar Tintin y el arte Alpha. Dibujó toda la historia en blanco y negro y la presentó a Moulinsart, la editorial que gestiona los derechos del personaje. La editorial no lo admitió, pero así consiguió conocer a los colaboradores de Tintín, su adorado personaje. Realizó también otros pastiches, como Un jour dans un aéroport o Le lac de la Sorcière.

Su versión de la última aventura de Tintin está publicada a todo color (en España la editó Castafiore) y si bien la calidad del dibujo es muy alta, los personajes no están a la altura de Hergé, no tienen la calidad de los originales ni la minuciosidad y perfeccionismo de Georges Remi; parecen hechos con prisa. Rodier fue el único que terminó un álbum incompleto de Tintin, pero han sido muchos los que han continuado las aventuras de Tintin por su cuenta y siempre sin la autorización de Moulinsart; a veces con contenidos adultos, otras veces con puntos de vista cercanos a la sátira y otras desde el respeto, pero eso es otra historia.

La industria del cómic norteamericano no se llama así por casualidad. La filosofía de las editoriales es muy diferente de la del resto del mundo; allí los personajes pasan de autor en autor reconociendo siempre (o casi) a cada nuevo autor en los créditos.

Es, sobre todo, en las publicaciones de superhéroes donde esto queda más patente. Spiderman, Batman, Lobezno y un larguísimo etcétera se mantienen en forma pasando por diferentes pinceles y diferentes autores de sus aventuras, y el sistema funciona. Por esto no considero oportuno adentrarme en este terreno, pero sí hablar de algunos casos interesantes.

Will Eisner no fue solo uno de los mejores dibujantes de Estados Unidos, sino de todo el mundo. Su obra es extensa y variada, pero hay un personaje que le dio la fama y que lo convirtió en un maestro gracias a los ejercicios formales y conceptuales que realizaba en cada nueva aventura. Se trata de Spirit, su héroe enmascarado que encandiló a Estados Unidos.

Eisner comenzó a dibujar las aventuras del expolicía Denny Colt, dado por muerto y regresado en forma de héroe en 1940, siendo responsable de todos los guiones, pero no de todo el dibujo. Poco tiempo después asumió la tarea completa y convirtió una historieta de aventuras de un superhéroe más en una de las más importantes obras del cómic mundial, aunque lo que muchos lectores no saben es que en 1941, por culpa de la Segunda Guerra Mundial, Eisner dejó su personaje en manos de colaboradores como Jack Cole, Toni Blue o William Woolfolk en los guiones y el mismo Jack Cole, Lou Fine o incluso Joe Kubert en el dibujo y la tinta. Eisner recuperó el personaje en 1946 y comenzó su edad dorada, su época de mayor calidad en la que, aunque en ocasiones se ayudó de rotulistas, se servía de cada número para ir más allá en su dominio del dibujo y de la narración gráfica.

Sin embargo, tras su boda en 1950 y su nuevo trabajo como dibujante para el ejército, Will Eisner fue dejando el personaje en manos de otros autores, aunque procuraba supervisar los guiones. Hacia finales de 1951 era consciente de que la serie necesitaba cambiar, se estaba quedando anticuada y era eso o cancelarla. En ese momento entró en escena Wally Wood y fue entonces cuando Spirit viajó a la luna entrando en el terreno de la ciencia ficción, aunque bien es cierto que durante toda su singladura coqueteó con todos los géneros posibles, pero solamente de forma esporádica. Incluso se llegó a cambiar el título de la serie por el de “Outer Space”, con alguna referencia a Spirit como “Featuring Denny Colt alias The Spirit” en las portadas.

Para finalizar el recorrido por los cómics estadounidenses –como ya dije, hay tantos casos interesantes que podría escribir mucho sobre ellos–, me gustaría hablar de un dibujante que ha demostrado tener una capacidad camaleónica, cambiando estilo a voluntad como quien cambia de camisa.

Daniel Clowes, autor de la famosa Ghost World, entre otras obras maestras, publicó en 2010 una novela gráfica titulada Wilson.

El protagonista es un hombre de edad mediana, divorciado y con un comportamiento poco sociable. Vive con su perra, Pepper, y en ella vuelca todo el amor que es incapaz de dar a las personas. Las desventuras de Wilson se narran a través de historias pequeñas de una página y lo que le sucede entra dentro de los más variados géneros. Hay drama y comedia; a veces lo amamos, a veces lo odiamos.

Pero lo más interesante del cómic es que, para acentuar las emociones que el personaje despierta en los lectores, Clowes dibujó cada nueva página con un estilo diferente. Hay páginas de línea clara y otras que parecen cómic de superhéroes, algunas recuerdan las strips de los dominicales y otras al cómic indie. Y mucho más.

Wilson es un impresionante tour de force de un autor que ha demostrado tener un enorme dominio del dibujo, del guion y de la fusión de ambos en forma de historias únicas.

El cómic norteamericano da para mucho más; desde los estilos heredados de padre a hijo en la saga de los Romita o la forma de dibujar de Bill Sienkiewicz en sus comienzos idéntica a la de Neal Adams, hasta Bodycount, la parodia gore que Kevin Eastman como guionista y Simon Bisley como dibujante crearon de las Tortugas Ninja. En otra ocasión corresponderá hablar de ello.

Osamu Tezuka, al que se considera el padre del Manga, creó Astro Boy en los sesenta, estableciendo muchas de las bases del cómic japonés. Las aventuras del niño robot han sido leídas y disfrutadas en todo el mundo y entre sus seguidores está sin duda Naoki Urasawa, que publicó entre 2003 y 2009 una obra titulada Pluto.

Esta historia de suspense, que cuenta la peripecia de un robot detective de la Europol, está plagada de referencias a la obra de Tezuka; de hecho, Makoto Tezuka, el hijo del autor, la supervisó sin presentar objeciones. El estilo es más realista, la historia más dramática, pero cada viñeta destila reverencia por el personaje de Osamu Tezuka. Cada una debe leerse por separado y apreciar sus indudables valores.